"Otras Américas" Sebastiao Salgado en Chile

Apreciación, valoración y análisis de las obras fotográficas.

1.- Nombre de la exposición - Sala o galería - Ubicación:

La muestra internacional "Sebastian Salgado. Otras Américas" está integrada por 65 fotografías en un formato especialmente diseñado para Chile, es complementada con la exhibición del documental "La sal de la Tierra", dirigida por Wim Wenders, en torno a la vida y obra de Sebastian Salgado.

La exposición estuvo ubicada en el Centro Cultural Las Condes, Apoquindo Ote. #6570 y se realizó entre el 12 de Octubre y el 11 de Diciembre.

2.- Breve biografía del autor(a):

Sebastian Salgado es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño nacido el 8 de Febrero de 1944 en Aymorés. 

Estudio economia en la Universidad de Sao Paulo y el Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logró el master en economía. Entre los años 1969 y 1971 viajo a Paris donde obtuvo el doctorado de la Escuela Nacional de Estadística Económica. Trabajo en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café) hasta 1973, cuando decide dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajando para agencia Gamma con sede en Paris para, luego, en 1979 unirse a Magnum Photos. En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar así su obra. 

Salgado ha viajado a mas de 100 países por sus proyectos fotográficos. La mayor parte de estos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exhibiciones itinerantes de su trabajo han sido mostradas en todo el mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos premios internacionales, entre otros en 1998 el Premio Principe de Asturias de las Artes. 

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Othras Américas o Exodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro.

En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor.

3.- Selección de las obras.

Las obras que seleccioné tienen animales en ellas, ya que tengo un vínculo y relación especial con ellos. Siento que logra sobrepasar la cotidianidad para incidir en lo significativo de esta, creando formas de almas distintas que elaboran diversas realidades y distintos símbolos.

Siento que esta obra figurativa representa la complicidad entre el niño y el caballo, la manera sutil y cuidadosa en como lo refresca con el agua. Si bien el caballo no se aprecia de manera completa, creo que lo que el autor quiere rescatar de la escena es al niño y su proximidad con él.

-Soporte análogo

-Fotografía en b/n 

México, 1980 1977

En esta obra figurativa se puede apreciar un perro en un cementerio, me imagino que acompañando a su compañero(a) ya fallecido(a). Existen diversas fotografías de este tipo, pero que las velas estén encendidas, la fotografía sea en blanco y negro, y el perro esté sentado como si estuviera esperando algo, hace de eta fotografía una situación melancólica, pero a la vez esperanzadora, ya que el perro sabe que al fin y al cabo se reencontrará con su compañero(a). 

-Soporte análogo

-Fotografía en b/n

Ecuador, 1982

Contemplamos una tipica fotografia familiar, pero en ésta da la impresión de que los animales fueran sus hijos. La manera en cómo los toman y la compasión por ellos en sus miradas hace que esta fotografía sea especial. Fue una de las que mas me conmovió, siento en ella el amor hacia los animales. 

-Soporte analogo

-Fotografía en b/n

-Obra figurativa

4.- Conclusiones, comentarios y reflexiones.

Lo que mas rescato de esta obra aparte de que en ella aparezcan animales, es que el uso del blanco y negro le otorga un sello de identidad, lo que permite centrar la mirada en detalles estéticos que con el uso del color se perderían, también se puede apreciar mejor el contenido y objetivo del autor. 

Me gusta también que todas las fotografías estén situadas en America Latina, nuestra America, tierra de lucha, lucha que logra rescatar el autor a través de sus fotografías. 

Auterretrato, Expresiones e Iluminación

El Autorretrato es subgénero del retrato, su principal misterio radica la extraña dualidad que se genera en gestación: Por un lado el autor se convierte en retratado y éste a su vez, en autor. El Autorretrato se define como un retrato hecho de la misma persona que lo pinta. Es uno de los ejercicios de análisis mas profundos que puede hacer un artista.

-Se simula ser, se es y no es. 

-El Autorretrato es sujeto y objeto a la vez. 

Los primeros autorretratos surgieron en la pintura, obviamente por la falta de tecnología, pero nosotros nos enfocaremos en el autorretrato fotográfico.

Esta vez aparte del autorretrato jugamos con las luces artificiales, de diversos puntos del estudio; luz frontal, luz lateral, luz de contrapicado, a contraluz, luz de fondo etc.

El tipo de iluminación depende de la expresión de cada foto, esto para darle un contexto y un escenario acorde a la situación que queremos representar.

A continuación les dejamos unos ejemplos realizados por mi grupo de trabajo en el estudio de Fotografía. 

Luz Cenital

Contraluz

Contrapicado

Luz Frontal

Luz Lateral

Luz Lateral

"Rescate del Album Familiar"

Este proyecto consiste en escoger una fotografía antigua del álbum familiar y después recrearla de la mejor forma posible. Intentando replicar sus características más llamativas, como el fondo, los colores, la ropa y por sobretodo las personas presentes en la fotografía.

Reflexión: Me pareció un interesante proyecto, me hizo volver a la niñez. A pesar de que era la única integrante de la fotografía toda mi familia participó en la reconstrucción de esta; ayudando con el montaje del fondo, la comida y capturando la fotografía. También recordarnos momentos de la época y aprovechamos la situación para ver más fotografías del álbum.

    Fotografía Original

    Reconstrucción de fotografía original

Autorretrato Fotográfico

El Autorretrato es subgénero del retrato, su principal misterio radica la extraña dualidad que se genera en gestación: Por un lado el autor se convierte en retratado y éste a su vez, en autor. El Autorretrato se define como un retrato hecho de la misma persona que lo pinta. Es uno de los ejercicios de análisis mas profundos que puede hacer un artista.

-Se simula ser, se es y no es. 

-El Autorretrato es sujeto y objeto a la vez. 

Los primeros autorretratos surgieron en la pintura, obviamente por la falta de tecnología, pero nosotros nos enfocaremos en el autorretrato fotográfico.

A continuación dejaré algunos ejemplos, que hice yo misma.

Fotógrafos Retratistas

El Retrato

No pueden hacerse retratos sin el carácter ni el aspecto del individuo o sujeto. Un buen retrato debe transmitir el estado de animo del sujeto en el momento del disparo. Es muy importante observar a la persona que se pretende retratar. 

Las imperfecciones del acercamiento

Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay muchas maneras de resaltar la fisonomía del personaje jugando con la luz, con el fondo, la perspectiva y la composición en general. 

En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara y que resalten sus facciones, si es así, parecerá una cara plana, sin relieve. Una luz lateral o de 45° también nos podría ayudar.

Por el lado del fondo, es recomendable quitarle relevancia, haciéndolo borroso. De esta forma podremos resaltar al sujeto. Para ello hay que contar con una profundidad de campo pequeña. Hay dos formas de disminuir la profundidad de campo, aumentar la apertura de diafragma y aumentar la distancia focal (zoom alto).

Aumentando la distancia focal con el zoom modificamos también la perspectiva, acercando el fondo y haciendo la imagen más plana, de esta forma evitamos deformar la cara del sujeto. 

En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen. 

Ya detallada un poco mas la fotografía retratista, daremos una pequeña reseña de grandes fotógrafos relacionados con este ámbito. 

                              Richard Avedon

                                                     

Nació en Nueva York en 1923, fue un fotógrafo estadounidense. Un obituario publicado por el The New York Times, afirmaba que: sus fotografías de moda y sus retratos había ayudado a definir, en Estados Unidos, durante el ultimo medio siglo, la imagen de belleza, elegancia y cultura. Fue un reputado fotógrafo de moda y gran retratista , comenzó su carrera profesional en los años cincuenta, realizando granes trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar. Posteriormente colaboro de igual forma con revista como Vogue, Life, Look. 

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Miller o Monroe. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. A continuación dejamos algunos de sus trabajos. 

                 

                                                       

                                                         Cindy Sherman

                                     

                                                             

Cindy nació el 19 de Enero de 1954 en Nueva Jersey, Estados Unidos, su verdadero nombre es Cynthia Morris, es artista, fotógrafa y directora de cine.

Sherman es una de las representantes más importantes de la fotografía de posguerra en Nueva York, exhibió más de tres décadas de trabajo en el Museo de Arte Moderno.

Sherman ha sido una de las fotógrafas más respetados del siglo XX. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella, sin embargo, estas fotografías no son autorretratos. 

Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte. A continuación un poco de su trabajo.

                 

                                                              Chuck Close

                                                             

Chuck nació en 1940 en Washington, Estados Unidos, su verdadero nombre es Charles Thomas Close, es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo foto realista.

Actualmente es miembro de la Academia de Artes y Letras Americana y recibió la Medalla Nacional de las Artes. Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, pedazos de telas, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora.

En 1988, Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte, pocas horas después era un parapléjico.

Close siguió pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano. A continuación alguna de sus obras.

  

 

                                                  Yasumasa Morimura

                                                              

                                                             

Morimura nació en Osaka en 1951, es un artista plástico japonés conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como Apropiacionismo. Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad.

A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. A través de la cámara, Morimura analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva. Morimura ha sido englobado en el grupo de artistas de los setenta que utilizaron la técnica del “apropiacionismo”.

Mediante este procedimiento, el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación. A continuación alguna de sus obras. 

                        

                                                    Annie Leibovitz

 

                                                           

Anna Lou Leibovitz nació en Connecticut, Estados Unidos en 1949. Esta fotógrafa fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images. A continuación algunas de sus obras. 

       

Ilumiación Básica en Estudio Fotográfico para Retrato

La iluminación refiere a la acción y efecto de iluminar. También, por medio de esta palabra se alude a aquellas luces dispuestas en un determinado lugar con el objetivo de alumbrar o dar luz a algo. En fotografía la luz es uno de los elementos más importantes, sin ella, no se podrían realizar fotos.

Según el tipo de luz:

Natural: esta iluminación se realiza a partir de luz que proviene del sol, por lo que varía constantemente a causa de la rotación terrestre. En la luz natural la calidad, dirección, intensidad y color no puede ser controlada por el hombre y se ve determinada por las condiciones naturales. Con esta luz resulta más sencillo realizar tomas en exteriores y además, presentan la ventaja de poder complementarse con las luces artificiales.

Artificial: esta iluminación recurre a luz que proviene de objetos como el flash, lámparas o spots. En este caso, la dirección, el color, intensidad y calidad sí pueden ser manipuladas por el fotógrafo o iluminador. Requiere conocimientos técnicos y resulta mucho más costosa que el natural. Además de esto, la luz artificial limita el área en que pueden realizarse fotografías de acuerdo a su alcance.

En este caso utilizamos una luz artificial. 

Luz Frontal: Disminuye la textura, se aplana el volumen y aparecen detalles y sombras.

Luz Lateral 45°: Es la más utilizada como luz principal, debido a sus características de equilibrio entre luces y sombras.

Iluminación de abajo: Este tipo de iluminación genera volúmenes alterados con fuerte expresión de luces y sombras duras.

Iluminación Lateral: Resalta el volumen y la profundidad de los objetos, ademas también destaca la textura.

Iluminación desde arriba o cenital: Este tipo de iluminación altera y sugiere, transforma los detalles y genera una especie de volúmenes y sombras duras.

Efecto de Reborde Luminoso (Rim Light): La figura se destaca del fondo, porque se dibujan líneas claras al rededor de las siluetas, la forma se aplana y, el fondo es oscuro y uniforme. 

Efecto Contra Luz: Este tipo de iluminación convierte el motivo en silueta, la forma se destaca del fondo, el fondo es claro y uniforme.

Técnica Mixta: En esta situación se puede mezclar dos o mas tipos de iluminación para crear variados efectos o resultados en nuestro retrato. En este caso, utilizamos una luz lateral y una luz frontal.

Ejercicio realizado en clases, fotografías tomadas por mi.

Modelo: Camila Cardoza.